Wir erobern unser Erbe zurück, Topf für Topf

Mit ihrer Arbeit kehrt Osa Atoe in das Nigeria der Mitte des Jahrhunderts zurück, um das Konzept einer afrikanischen Studiokeramikbewegung weiterzuentwickeln. Bei Abuja Pottery Im Zentrum werden traditionelle Techniken zum Spulenbau und Dekorieren, die durch Ladi Kwali berühmt wurden, mit Dreh-, Glasur- und Brenntechniken kombiniert, die Michael Cardew nach Nigeria brachte. Abuja Pottery zog Keramiker aus dem ganzen Kontinent an, darunter aus Ghana, Uganda, Simbabwe und Äthiopien, und schuf so einen kulturellen Nexus, der die afrikanische Keramik in neue Richtungen lenkte. Atoes Atelierpraxis spiegelt diesen historischen Moment wider, indem sie indigene Töpfertechniken wie Spulenbau und die Verwendung von gesammelten Materialien in einem zeitgenössischen Atelierumfeld anwendet. Ihre Arbeit spiegelt ihre Überzeugung wider, dass die Anwendung einer Kombination aus indigenem Wissen und globalen Technologien zukunftsweisende Lösungen schaffen, das Gleichgewicht wiederherstellen und unsere sozialen und ökologischen Übel heilen kann.

Da Atoe im Rahmen von Ton-Bildungsveranstaltungen keinerlei Belege für die Verbindung zwischen Schwarzen und Keramik vorzuweisen hat, stellt ihre Arbeit die Krönung jahrelanger unabhängiger Forschung und Studien dar. Durch ihren Fokus auf schwarze und globale indigene Tonkulturen gelingt es Atoe, in Ton eine universelle Sprache zu finden – eine, die kulturübergreifend spricht. Ihre von Afrika und der Natur inspirierten Töpferwaren sind ein Zeugnis unserer gemeinsamen Menschlichkeit. Atoes Töpferwaren schaffen Verbindungspunkte, die unsere Gemeinsamkeiten statt unserer Unterschiede hervorheben – ein Balsam in unserer zunehmend polarisierten Gesellschaft. Sie glaubt, dass ihre Töpferwaren sich als Symbole des Idealismus manifestieren und eine visuelle und taktile Atempause von Gewalt, Spaltung, Zynismus und Ungerechtigkeit bieten.

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Meine Geschichte

Mein Name ist Osa Atoe (Ah-toy) und ich bin eine nigerianisch-amerikanische Keramikerin und lebe in Sarasota, Florida. Pottery by Osa entstand 2015 in meiner Küche in New Orleans, Louisiana, und wurde seitdem auf eine voll ausgestattete Garage in meinem jetzigen Zuhause in Sarasota, Florida, ausgeweitet. Mit 34 Jahren besuchte ich meinen ersten Töpferkurs. Ich hatte einen Abschluss in Soziologie und war viele Jahre lang als Freiwillige und Organisatorin in Aktivistengruppen engagiert, aber meine kreative Leidenschaft war die Musik. Ich spielte etwa 15 Jahre lang in verschiedenen Punkbands und tourte durch die gesamten Vereinigten Staaten und Westeuropa. Neben dem Musizieren schrieb ich ein Fanzine (das später zu einem Buch wurde) über schwarze Punks und Außenseiterkünstler namens „Shotgun Seamstress“ und war Kolumnistin für das Magazin „Maximum Rock'n'Roll“. Ich buchte auch Shows für Tourbands, deren Frontfrauen Frauen, nichtbinäre und LGBTQ-Personen waren, unter dem Namen No More Fiction. Viele der Shows waren Spendenaktionen für lokale Organisationen für soziale Gerechtigkeit. Mit Hilfe von Freunden organisierte ich Skillshares zum Thema Musikinstrumente und -zubehör, die in einem Festival mit Debütauftritten von Bands gipfelten, um die Teilnahme unterrepräsentierter Geschlechter und Sexualitäten an der lokalen Punkszene zu fördern. Neben all dem arbeitete ich als Kinderbetreuerin, Barista und Kunstlehrerin, um über die Runden zu kommen.

Beim Punk geht es nicht um Langlebigkeit oder Technik, sondern um Dringlichkeit und ursprünglichen Ausdruck. Durch meine Bandzugehörigkeit, das Erstellen von Fanzines und das Organisieren von Events habe ich das Selbstvertrauen entwickelt, meine kreativen Projekte mit anderen zu teilen, ohne mir Gedanken darüber zu machen, ob sie gut genug sind. Aber als ich Ton entdeckte, suchte ich nach einer Herausforderung. Ich wollte die Chance, über einen längeren Zeitraum an etwas zu arbeiten und darin geschickt zu werden, was beim Punk nicht erforderlich ist. Ich brauchte auch einen Neuanfang.

Einer meiner Kollegen erzählte mir von einem Kurs zum Töpfern an der Töpferscheibe, den er in einem Gemeinschaftsstudio in der Stadt besuchte. Ich beschloss, es auszuprobieren, und war sofort begeistert. Nach etwa einem Jahr wechselte ich in ein anderes Studio, wo ich meine Arbeit gegen Unterrichtszeit und Ton eintauschen konnte. Dort lernte ich, Glasuren für das Studio herzustellen, Brennöfen zu be- und entladen und andere Aufgaben, die mir beim Aufbau meiner eigenen Atelierpraxis helfen würden. Ein paar Jahre später, nachdem ich nach Baton Rouge gezogen war, absolvierte ich ein einjähriges Postgraduiertenprogramm für Keramik an der Louisiana State University. Abgesehen davon habe ich mich auf eine Reise der Selbstbildung begeben, Workshops an Handwerksschulen besucht, Mentoren gesucht und mich an unabhängiger Forschung beteiligt.

Ich verwende roten Steinzeugton, schnitze als Hauptmethode zur Oberflächendekoration und brenne meine Arbeiten in einem Elektroofen. Ich arbeite mit rotem Ton, weil ich die Farbe liebe und weil sie mich an alte Töpfe aus Steingut erinnert. Aus demselben Grund schnitze und stempele ich meine Oberflächen – dies waren die frühesten Arten der Töpferdekoration. Es ist faszinierend, einen Topf zu betrachten, der vor 2.000 Jahren hergestellt wurde und noch immer einen modernen Sinn für Stil und Design widerspiegelt. Es zeigt uns, dass es bestimmte Formen, Muster, Proportionen und Funktionen gibt, die nahezu universell und dauerhaft ansprechend sind – eine Möglichkeit, die Einheit der Menschheit zu beobachten.

In letzter Zeit verspüre ich den Drang, meine Arbeit mit einer Tradition der Töpferei zu verbinden. In einer Zeit, in der jeder einzelne Künstler einzigartig und originell sein will, frage ich mich, wie es wohl gewesen wäre, die Methoden meiner Vorfahren zu erlernen. Wie wäre es wohl gewesen, dieselben Formen zu schaffen wie meine Großmutter? Wie kann ich mich ohne eine überlieferte Tontradition einer Tontradition anschließen? Der Aufbau von Beziehungen zu älteren Keramikern wie David MacDonald und Jabu Nala und die Lektüre der Geschichte von Ladi Kwali im Abuja Pottery Center in den 1950er Jahren haben mir geholfen, meine Arbeit in der Weisheit meiner Vorgänger zu verankern.

Die Kraft und Bedeutung meiner Arbeit wird erst deutlich, wenn sie in das Leben anderer Menschen integriert wird. Während ich arbeite, stelle ich mir die Stücke in Privathäusern vor, nicht im Kontext einer Galerie, und ich denke an die Bedürfnisse, die sie erfüllen könnten. Morgenkaffee oder -tee, ein Geburtstags- oder Hochzeitsgeschenk, eine Urne für einen verstorbenen geliebten Menschen, ein kleiner Krug Wasser auf Ihrem Nachttisch, nach dem Sie um 3 Uhr morgens greifen, wenn Sie durstig aufwachen. Ich liebe es, Fotos meiner Töpferwaren in den Häusern anderer Leute zu sehen, und ich versuche mein Bestes, um mit den Leuten in Kontakt zu bleiben, die meine Arbeiten besitzen. Es ist erfüllend zu sehen, dass die Leute, die sich intuitiv zu meiner Arbeit hingezogen fühlen, Leute sind, mit denen ich Werte teile; die Töpferwaren helfen uns einfach, einander zu finden. Aus diesem Grund sind mir Themen der zeitlichen und menschlichen Universalität wichtig.